Composition photographique de Julia Hetta (2023) Photo © Julia Hetta
L’exposition “Karl Lagerfeld, A Line of Beauty” consacrée à Karl Lagerfeld, l’icône légendaire de la mode, qui se tient actuellement au Metropolitan Museum of Art de New York, est un événement incontournable pour les passionnés de mode du monde entier. En tant que directeur créatif de la Maison CHANEL pendant plus de trois décennies, Karl Lagerfeld a redéfini les codes de l’élégance et de la sophistication. Cette exposition captivante rend hommage à son génie créatif et à son héritage durable dans l’industrie de la mode. À travers une collection riche et variée de ses créations emblématiques, de ses collaborations inspirantes et de son style unique, les visiteurs sont invités à plonger dans l’univers artistique fascinant de Karl Lagerfeld. C’est une opportunité unique de découvrir l’homme derrière les créations intemporelles et de comprendre son impact indéniable sur l’esthétique contemporaine. Que vous soyez un passionné de mode ou simplement curieux, cette exposition promet de ravir et d’éclairer, en célébrant le génie d’un visionnaire dont l’influence continue d’inspirer et de façonner le monde de la mode d’aujourd’hui.
L’exposition de printemps du Costume Institute au Metropolitan Museum de New York célébrant le travail de Karl Lagerfeld et s’intitulant Karl Lagerfeld : A Line of Beauty, ouvre ses portes au public aujourd’hui et jusqu’au 16 juillet.
L’exposition met en lumière la méthode de travail unique de Karl Lagerfeld, en se concentrant sur le vocabulaire stylistique du créateur dans ses créations, allant des années 1950 à sa dernière collection en 2019. Plus de 200 créations sont exposées, retraçant 65 ans de carrière, depuis l’obtention du Woolmark Prize en 1954 jusqu’à sa disparition en 2019. On trouve un manteau dessiné pour l’automne-hiver 1958 pour PATOU, une vingtaine de créations pour CHLOÉ, les nombreuses créations pour CHANEL depuis 1983 et pour la longue collaboration de 54 ans avec FENDI, sans oublier celles de sa propre marque KARL LAGERFELD. Des croquis de Karl Lagerfeld accompagnent la plupart des créations, illustrant son processus créatif complexe et son travail avec les premières d’atelier et les couturières.
Andrew Bolton, conservateur en chef du Costume Institute au Metropolitan Museum of Art et commissaire de l’exposition, explique : « L’exposition explore la méthodologie de travail complexe de Karl Lagerfeld, retraçant l’évolution de ses créations. Les lignes fluides de ses croquis ont trouvé leur expression dans des thèmes récurrents dans ses créations, unissant ses créations pour CHANEL, CHLOE, FENDI, PATOU et sa marque éponyme, KARL LAGERFELD, créant une œuvre diversifiée et prolifique sans précédent dans l’histoire de la mode. »
L’EXPOSITION EN BREF
LA GENÈSE DE L’EXPOSITION
Le cadre théorique de l’exposition s’inspire du livre de William Hogarth, The Analysis of Beauty, qui décrit ses théories de l’art et de l’esthétique centrées autour de son concept de « la ligne de beauté », une ligne courbe en forme de S apparaissant à l’intérieur d’un objet ou une ligne de démarcation d’un objet, signifiant la vivacité et le mouvement. Alors que William Hogarth considérait les lignes droites comme représentatives de l’immobilité et de l’inactivité, Karl Lagerfeld s’est inspiré à la fois de la ligne droite et de la ligne courbe en S dans une égale mesure.
L’EXPOSITION
Présentée comme un essai thématique et conceptuel sur le travail de Karl Lagerfeld, plutôt qu’une rétrospective traditionnelle, l’exposition s’ouvre, en introduction, sur les sections qui explorent le début de la carrière de Karl Lagerfeld, notamment l’obtention du Woolmark Prize en 1954 et ses rôles ultérieurs en tant qu’assistant de conception chez BALMAIN et directeur artistique de PATOU, où il a affiné son style unique avec des croquis très précis.
Le croquis était à la fois le principal mode d’expression créative de Karl Lagerfeld et son principal mode de communication. Illustrant son importance, une galerie est consacrée aux premières d’atelier – les couturières considérées comme les architectes de la vision de Karl Lagerfeld, chargées de traduire ses dessins en vêtements 3D. Une série d’interviews filmées par Loïc Prigent, qui a suivi et documenté les collections du créateur de 1997 à 2019, met en lumière cette collaboration créative, avec des premières d’atelier de chez CHANEL, CHLOÉ, FENDI et la marque KARL LAGERFELD.
Deux lignes représentent des expressions conceptuelles des croquis de Karl Lagerfeld : la ligne courbe en S et la ligne droite, qui désignent des forces opposées, mais complémentaires, ancrent les galeries suivantes de l’exposition. La ligne courbe en S signifie les impulsions historicistes, romantiques et décoratives de Karl Lagerfeld, tandis que la ligne droite indique ses tendances modernistes, classiques et minimalistes.
Ces deux lignes sont ensuite divisées en neuf parties, présentant les dualités esthétiques et conceptuelles présentées dans les créations pour CHANEL, CHLOÉ, FENDI et KARL LAGERFELD : masculin / féminin, ligne romantique vs ligne militaire, ligne rococo vs ligne classique, ligne historique vs ligne futuriste, ligne ornementale vs ligne structurelle, ligne canonique vs ligne contre-culturelle, ligne artisanale vs ligne mécanique, ligne florale vs ligne géométrique, ligne figurative vs ligne abstraite.
Ces dualités révèlent la complexité des créations aux multiples facettes de Karl Lagerfeld ainsi que l’étendue de ses influences, qui couvrent l’art, le cinéma, la musique, le design, la mode, la littérature et la philosophie. Lorsqu’il existe, un croquis est reproduit à côté de son vêtement terminé ; les œuvres d’art qui ont influencé certaines des créations de Karl Lagerfeld sont également représentées aux côtés des vêtements qu’elles ont inspirés.
L’exposition se termine par la ligne satirique, qui comprend deux parties : la première avec des vêtements qui reflètent l’esprit acéré de Karl Lagerfeld exprimé à travers des broderies ironiques, ludiques et fantaisistes ; la seconde présente des ensembles qui reflètent l’image de soi du designer à travers diverses représentations de son « uniforme » en noir et blanc, immédiatement reconnaissable.
La dernière pièce, inspirée d’une ellipse et destinée à envelopper les visiteurs, présente une installation vidéo du cinéaste Baillee Walsh comprenant des images d’archives inédites de Karl Lagerfeld par Loïc Prigent et s’affiche sur 81 iPhones, en forme de clin d’œil au créateur.
L’EXPOSITION EN DÉTAIL
GALERIE 1
La carrière de Karl Lagerfeld (1933-2019) a duré soixante-cinq remarquables et incomparables années, au cours desquelles il a été directeur créatif de plusieurs maisons de couture, dont FENDI, CHLOÉ, CHANEL et sa marque éponyme KARL LAGERFELD. Abordant la mode à la fois comme un art et comme une entreprise, il a créé l’identité du créateur de mode qui est devenu le modèle des créateurs contemporains.
Alors que Karl Lagerfeld, l’homme, a longtemps fait l’objet d’une mythologie et d’une hagiographie haletantes, cette exposition se concentre sur Karl Lagerfeld, le créateur, en particulier sa pratique unique du croquis. D’autres créateurs dessinent dans le cadre de leur processus créatif, mais c’est généralement un moyen d’atteindre une fin plutôt qu’une fin en soi comme c’était le cas pour Karl Lagerfeld, dont les croquis sont la combinaison d’un dessin technique détaillé et d’une illustration de mode.
Retraçant l’évolution des dessins en deux dimensions de Karl Lagerfeld vers des vêtements en 3D, l’exposition est ancrée par deux lignes : la ligne « serpentine » signifiant ses impulsions historicistes, romantiques et décoratives et la ligne « droite » représentant ses tendances modernistes, classiques et tendances minimalistes. Ces deux lignes traversent les différentes maisons dirigées par Karl Lagerfeld, et les dualités qui leur sont inhérentes sont explorées dans les galeries centrales. Présentés sur des socles surélevés, comme des totems, les vêtements tentent de résoudre et de réconcilier l’esthétique concurrente de ces dichotomies.
Le cadre théorique de l’exposition s’inspire du concept de « ligne de beauté » de l’artiste britannique du XVIIe siècle William Hogarth, une ligne en forme de S qui représente la vivacité et le mouvement, par opposition à une ligne droite, qui dénote l’immobilité, l’inactivité et même la mort. Karl Lagerfeld, cependant, était beaucoup trop magnanime pour porter de tels jugements esthétiques – pour lui, la ligne courbe en S et la ligne droite étaient également belles, passionnantes et engageaient son imagination dans une égale mesure.
GALERIE 2
Portrait de Karl Lagerfeld par Annie Leibovitz (Vogue /Trunk Archive)
GALERIE 3 : LES PREMIÈRES D’ATELIER
Travail des premières d’atelier
Travail des premières d’atelier de CHANEL
Travail des premières d’atelier de CHLOE
Travail des premières d’atelier de FENDI
Travail des premières d’atelier de KARL LAGERFELD
Le croquis n’était pas seulement le principal mode d’expression créative de Karl Lagerfeld, mais aussi son principal mode de communication. Pour un œil non averti, ses croquis semblent spontanés et expressionnistes. Mais aux yeux habiles de ses premières d’atelier, qui étaient chargées de traduire les dessins en vêtements, ils transmettent des détails précis et des instructions presque mathématiques. Les croquis fonctionnent comme une sorte de langage secret entre le designer et ses collaborateurs, qui savaient exactement comment déchiffrer chaque ligne, marque et annotation.
Les premières d’atelier présentées dans les vidéos de cette section avaient des relations de travail de longue date avec Karl Lagerfeld : Anita Briey, ancienne de chez CHLOÉ et KARL LAGERFELD ; Stefania d’Alfonso de chez FENDI ; Olivia Douchez, première de l’atelier flou de CHANEL et Jacqueline Mercier, ancienne de première de l’un des ateliers tailleur de CHANEL. Les entretiens ont été menés par Loïc Prigent, qui suit et documente les collections de Karl Lagerfeld depuis 1997. Chaque première d’atelier explique comment elle a décodé les dessins de Karl Lagerfeld pour les transformer en vêtements, présentés dans la galerie, fournissant des informations précieuses sur le processus créatif et la méthodologie de travail du créateur.
Karl Lagerfeld était parfaitement conscient que sa confiance dans les premières d’atelier, qu’il considérait comme les architectes de sa vision, était réciproque. Comme il l’explique : « Quand quelqu’un à l’atelier a du mal à réaliser un de mes modèles, alors que je n’ai jamais cousu, c’est à moi de trouver la solution en trois secondes. Sinon, tu perds complètement le respect aux yeux des premières d’atelier. »
Karl Lagerfeld a été nommé directeur créatif de FENDI en 1965. Il a révolutionné l’utilisation de la fourrure dans la mode, la traitant comme s’il s’agissait de tissu et employant des techniques traditionnellement associées à la Haute Couture, comme le montrent les exemples présentés avec ses collections automne-hiver 1971/72 et 2012/13. Conscient cependant, des problèmes éthiques entourant l’utilisation de la fourrure (mis en avant par les organisations de défense des droits des animaux à partir des années 1970), il proposait fréquemment des alternatives qui excluaient la nécessité de se procurer de nouvelles peaux. Pour le manteau de sa collection automne-hiver 1993/94, il a réutilisé des chutes de modèles précédents illustrant un premier exemple de recyclage. Sa collection printemps-été 2013 comprenait une robe en soie imprimée numériquement avec un motif également rendu en fourrure. Un manteau composé de milliers de bandes d’organza déchiqueté et densément superposées qui imitent une délicate fourrure est un simulacre tout aussi conscient qu’éthique (collection haute couture automne-hiver 2018/19).
FENDI a continué à développer sa mode sans fourrure. De plus, de nouvelles alternatives à la fourrure continuent d’être explorées dans le monde de la mode, y compris les fourrures à base de plantes, produites en réponse aux préoccupations environnementales entourant l’utilisation de polymères synthétiques. Comme Karl Lagerfeld l’a fait remarquer un jour, « Vous ne pouvez pas faire semblant d’être chic, mais vous pouvez être chic en fausse fourrure. »
GALERIE 4 : L’INTERNATIONAL WOOLMARK PRIZE
Karl Lagerfeld a déménagé à Paris en 1952, juste avant son dix-neuvième anniversaire. À l’époque, ses compétences en dessin étaient largement autodidactes et, selon lui, innées : ” Je dessine comme je respire. Vous ne respirez pas pour commander. Cela arrive tout simplement. ” Cependant, l’année suivante, il s’inscrit aux cours d’illustration de mode dispensés par Andrée Norero Petitjean dans son école, le cours Norero. Fille des peintres Edmond Marie Petitjean et Jeanne Lauvernay, Andrée Norero a étudié les beaux-arts à l’École Duperré et a travaillé comme illustratrice pour la designer Nicole Groult, sœur du célèbre designer Paul Poiret, avant de fonder sa propre école. Pendant ses études avec Andrée Norero, Karl Lagerfeld a soumis des croquis avec des échantillons de tissu à l’International Woolmark Prize, un concours d’illustration de mode organisé par le Secrétariat international de la laine. Il a remporté le premier prix dans la catégorie manteau ; Yves Saint Laurent l’emportant dans la division robe et Colette Bracchi dans la section costume, battant chacun six mille autres participants. Les créations gagnantes ont été réalisées par trois grands couturiers, qui avaient tous participé au jugement du concours : Pierre Balmain a exécuté le manteau de Karl Lagerfeld ; Hubert de Givenchy, la robe d’Yves Saint Laurent et Jacques Fath, le costume de Colette Bracchi. Le manteau, fabriqué à partir de laine jaune du fabricant de textile français Gerondeau et intitulé Longchamps d’après l’hippodrome de Paris – n’existe plus. Cependant, l’atelier de Balmain a créé, pour l’exposition, une toile du manteau, basée sur des dessins et des photographies existants. (image ci-dessous)
Après la mort de Karl Lagerfeld en 2019, des albums assemblés par sa mère ont été retrouvés parmi ses biens. L’un d’eux a révélé une note de bas de page sur l’habitude du créateur d’écrire des lettres, une missive de huit pages à sa mère sur la cérémonie de remise du Woolmark Prize au restaurant et discothèque Les Ambassadeurs. Karl Lagerfeld se souvient des événements de la soirée, « tout se déroulant à nouveau, devant [ses] yeux, comme un film ». Il exprime sa fierté de ses capacités de dessinateur, ses aspirations à ce que le prix mène à plus que des récompenses financières, ainsi que sa confiance et son aisance sous les projecteurs.
Un mois avant de remporter l’International Woolmark Prize en novembre 1954, Karl Lagerfeld réalisa ce qui était probablement sa première création : une robe de mariée pour Christiane, la fille de sa professeure Andrée Norero Petitjean. La création de Karl Lagerfeld a été sélectionnée parmi ceux de ses camarades du cours Norero, en partie parce qu’il pouvait être réutilisé pour différentes occasions, une condition importante pour Christiane, dont le futur mari était un homme politique. Les éléments, un haut et une jupe avec un corselet amovible et une longue traîne sont devenus des leitmotivs dans les créations ultérieures de Karl Lagerfeld.
Karl Lagerfeld remportant l’International Woolmark Prize, Pierre Balmain lui offre son premier poste officiel à temps plein en 1955 : celui d’assistant créateur pour la ligne de boutiques Florilège de BALMAIN. C’est chez BALMAIN et chez JEAN PATOU, dont il devient directeur artistique trois ans plus tard, que Karl Lagerfeld développe et continue d’affiner son style particulier de croquis, qui associe un dessin technique détaillé à une illustration de mode.
Voici un manteau de la première collection automne-hiver 1958/59 du créateur pour PATOU. Karl Lagerfeld parlait souvent de la façon dont ses interactions avec les ateliers PATOU ont joué un rôle déterminant dans le développement de son processus de création : Madame Alphonsine Schoettel (première de l’atelier flou) lui a enseigné les techniques de construction, et Monsieur Gabriel Girard a transmis une appréciation et une compréhension des textiles.
GALERIE 5 : LIGNE FÉMININE vs LIGNE MASCULINE
La ligne féminine
La ligne masculine
Traditionnellement, une maison de Haute Couture est composée de deux ateliers : l’un consacré au flou, l’autre dédié aux tailleurs. Cette classification, combinée aux collections de prêt-à-porter pour hommes et pour femmes, sous-tend la dichotomie féminin/masculin qui prévaut dans la mode de Karl Lagerfeld, qui non seulement comprenait, mais appréciait les spécificités de la Haute Couture et du prêt-à-porter.
La substance de la Haute Couture est de créer une forme sculpturale à partir de matériaux souples. Dans toutes les maisons de couture pour lesquelles il a travaillé en tant que directeur artistique, Karl Lagerfeld a toujours utilisé de la dentelle, du tulle, du crêpe et de la mousseline dans ses créations. Une grande partie de l’attrait de ces matériaux était leur propension à révéler la structure et les couches intérieures d’un vêtement.
La ligne masculine vs la ligne féminine
En revanche, l’essence de la Haute Couture est la simulation de la ligne sur le corps, rendue possible par la découpe des segments qui constituent le motif. Comme on le voit dans les ensembles à la ligne droite masculine, la confection est plane et s’appuie sur des matières relativement robustes. Dans ses créations pour CHANEL et pour sa propre marque en particulier, Karl Lagerfeld a privilégié deux silhouettes : la “Schlemmerian” moderniste – du nom de l’artiste et chorégraphe allemand Oskar Schlemmer – qui présente de larges épaules, une taille fine et des hanches arrondies ; et l’historiciste “Brummellian” – du nom du dandy George Bryan Brummell – avec un cou atténué, un torse court et de longues jambes.
GALERIE 6 : LIGNE ROMANTIQUE vs LIGNE MILITAIRE
La ligne romantique
L’ère romantique, commençant en Europe à la fin des années 1700 et durant les années 1850, a été une source constante d’inspiration pour Karl Lagerfeld, en particulier son idéalisation de la nature. Ce pastoralisme imprègne les vêtements de la ligne romantique, qui présentent à la fois des manches bouffantes, caractéristiques des années 1830 et une jupe à crinoline en forme de dôme, des années 1850. Pour ce dernier, Karl Lagerfeld s’est inspiré des peintures de Franz Xaver Winterhalter, en particulier ses portraits de l’impératrice Eugénie de France et de l’impératrice Elisabeth d’Autriche (Sissi), icônes du style impérial du Second Empire. Eugénie est devenue synonyme de la splendeur de la mode crinoline qu’elle a gagné le sobriquet « La Reine Crinoline ».
La ligne militaire
Dans l’imaginaire de Karl Lagerfeld, les costumes flottants, exubérants et sentimentaux des héroïnes romantiques côtoyaient et contrastaient fortement avec les uniformes sévères, sobres et rationnels des héros militaires. Comme en témoigne la ligne militaire, les emprunts du créateur aux vêtements de guerre enflammés étaient plus formels que symboliques, principalement limités à des éléments ornementaux, tels que des brandebourgs inspirés des uniformes de hussards, des pattes simulant les fermetures des tenues militaires européennes du XVIIIe et du début du XIXe siècle et de grandes poches à rabats festonnés faisant référence aux uniformes de la Première Guerre mondiale. L’ingéniosité de Karl Lagerfeld s’est étendue aux forces civiles, comme en témoigne l’ensemble qu’il a créé avec les sœurs Fendi pour un concours de 1983 visant à redessiner les uniformes des policières à Rome.
GALERIE 7 : LIGNE ROCOCO vs LIGNE CLASSIQUE
La ligne Roccoco
Les tendances Rococo de Karl Lagerfeld se sont peut-être pleinement réalisées dans son enthousiasme de l’orientalisme, le terme historique utilisé pour décrire la fascination et l’adaptation des idées et des styles de « l’Est » par « l’Ouest ». Contrairement aux carrousels exotiques, aux masques de cour et aux fêtes galantes du XVIIIe siècle, les impulsions orientalistes de Karl Lagerfeld étaient alimentées par la possibilité, plutôt que par l’apparat coloré et la mascarade, à savoir le potentiel de révision, de réinvention et finalement d’expansion du canon de la mode occidentale. Ces possibilités reflétaient largement l’imaginaire orientaliste européen, avec des références au pittoresque Cathay (le terme médiéval pour la Chine) dépeint dans les arts décoratifs de la chinoiserie du XVIIIe siècle et aux formes traditionnelles de vêtements indiens à travers le prisme de la domination impériale britannique.
De même, le classicisme de Karl Lagerfeld faisait souvent référence aux vêtements féminins typiques de la Grèce antique, notamment le chiton, le péplos et l’himation. Le péplos, avec son pli distinctif, ou apoptygma, et ses épingles ou fibules en forme de broche sur les épaules, a inspiré les robes en jersey de soie blanche que Karl Lagerfeld a conçues avec les sœurs Fendi dans le cadre d’une série de costumes associés au Mondial de la FIFA 1990 à Rome. Portés par les danseurs lors du match final, les vêtements étaient accessoirisés de coiffes inspirées des bâtiments et monuments de la capitale italienne.
La ligne classique
Karl Lagerfeld a généralement organisé ses défilés CHANEL Métiers d’Art dans des lieux qui reflétaient le thème de la collection, mettant en évidence le dialogue interculturel à une époque mondialisée. Le défilé Paris-Shanghai en était une, qui avait eu lieu en 2009 sur une péniche de quatre-vingt-cinq mètres de long sur la rivière Huang et comprenait cet ensemble de tulle de soie noire. La robe associe un drapé européen classique à un col de style Mandarin brodé de perles et de sequins dorés, et est accessoirisée de bijoux en jadéite d’inspiration chinoise, dont une ceinture en chaîne frangée de pièces de monnaie estampillées du double C de CHANEL.
GALERIE 8 : LIGNE HISTORIQUE vs LIGNE FUTURISTE
La ligne historique
Karl Lagerfeld avait une connaissance fine de l’histoire de la mode, qu’il utilisait généreusement dans ses créations dans des juxtapositions passé/présent dans lesquelles l’ancien informait le nouveau et le nouveau animait l’ancien. Bien qu’aucune période ne soit interdite, le créateur a exigé que le passé soit pleinement assimilé au présent, et ne l’a fait que s’il était pertinent pour l’air du temps.
La ligne futuriste
L’historicisme de Karl Lagerfeld était particulièrement marqué dans ses collections CHANEL des années 1980, une décennie au cours de laquelle l’histoire était très présente dans l’imaginaire contemporain sous la bannière du postmodernisme. Alors qu’il flirtait avec les modes du XVIe siècle, le regard historique de Karl Lagerfeld était principalement dirigé vers les styles vestimentaires des cours royales européennes des XVIIe, XVIIIe et XIXe siècles. Même sa vision de l’avenir a été filtrée à travers le prisme de l’histoire, comme le montre la ligne futuriste, qui présente des vêtements inspirés des années 1960, en particulier sa préoccupation pour l’exploration spatiale, alimentée par l’aspiration et la compétition de la guerre froide. Le futurisme de la course à l’espace et la pensée utopique qu’elle a engendrée sont capturés dans l’ensemble de la collection automne-hiver 2001/02 de FENDI. Rappelant les tenues Cosmos de Pierre Cardin en 1964, sa silhouette épurée reflétait tout l’espoir, l’idéalisme et l’optimisme du nouveau millénaire.
GALERIE 9 : LIGNE ARTISANALE vs LIGNE MÉCANIQUE
La ligne artisanale
L’expression la plus profonde de la largesse artistique de Karl Lagerfeld était peut-être son égale appréciation du fait main et du fait à la machine – des processus de production qui ont traditionnellement défini la séparation entre la Haute Couture et le prêt-à-porter. Pour Karl Lagerfeld, la main et la machine étaient des outils complémentaires plutôt qu’opposés qui ont contribué à affiner, perfectionner et finalement faire progresser son métier. Cependant, comme le démontrent les créations de cette galerie, il a parfois promu l’esthétique de l’un ou de l’autre avec l’intention de renforcer ou de remettre en question les significations culturelles et les implications hiérarchiques derrière la dichotomie main/machine, y compris l’association de la main avec l’exclusivité, la spontanéité, l’individualité et la machine avec l’infériorité, la déshumanisation et l’homogénéisation.
La ligne mécanique
La ligne artisanale en courbe en S comprend des vêtements des collections haute fourrure de Karl Lagerfeld pour FENDI et ses collections Haute Couture et Métiers d’Art pour CHANEL, qui non seulement mettent en valeur, mais fétichisent le travail manuel en célébrant le talent artistique des ateliers spécialisés et des petites mains au service de la Haute Couture, en particulier ceux dédiés à la broderie. En revanche, la ligne mécanique droite présente des ensembles qui embrassent le potentiel technique et créatif de la technologie industrielle, qu’elle soit utilisée dans le développement de tissus ou la construction de vêtements, comme la découpe laser et le frittage sélectif au laser.
GALERIE 10 : LIGNE CANONIQUE vs LIGNE CONTRE-CULTURELLE
La ligne canonique
L’un des intérêts stylistiques les plus durables de Karl Lagerfeld était la combinaison postmoderne des propriétés traditionnelles de la Haute Couture avec les provocations transgressives des styles de la rue les plus avant-gardistes. Les vêtements de cette galerie représentent les forces duelles derrière sa joyeuse confrontation entre l’establishment et l’anti-establishment. Affirmant et mettant en valeur simultanément leur élégance raffinée, toutes les pièces de la ligne canonique en courbe en S ont été présentées dans le contexte raréfié d’un salon, avec son ambiance d’intimité et d’exclusivité. Plusieurs intègrent des détails en trompe-l’œil qui font référence au penchant de Gabrielle Chanel pour le mélange de vrais et faux bijoux, ce qui à son époque était un défi radical aux notions acceptées de bon et de mauvais goût. L’ensemble de la collection Haute Couture automne-hiver 1996/97 de CHANEL représente une simulation différente : le manteau est en organza noir avec des bandes de tulle de soie appliquées qui ont été froncées, crochetées et teintes pour ressembler à un manteau de fourrure de vison, vestiaire symbole de richesse et de pouvoir.
La ligne contre-culturelle
Reflétant la Haute Couture, la ligne canonique représente le mouvement de « ruissellement » des modes traversant horizontalement entre des individus de statuts social et économique similaires, tandis que la ligne contre-culturelle représente le mouvement de « ruissellement » des modes qui partent de la rue et gravitent vers la Haute Couture. Karl Lagerfeld s’est délecté de ce revirement. Parfois, ses références à la rue sont générales, se concentrant sur des pièces vestimentaires symboliques de la jeunesse, comme la minijupe. D’autres fois, il fait référence à des styles contre-culturels spécifiques tels que le punk, le surfeur et le hip-hop – une affirmation de la promotion par le créateur d’une mode sans classe, alimentée par sa conviction que le vrai style ne se trouve pas dans la réitération hautaine de la mode sociale, mais plutôt dans l’illumination des idées de mode.
La ligne canonique vs la ligne contre-culturelle
Robe de mariée, CHANEL Haute Couture automne-hiver 2005/06
Courtesy Patrimoine de CHANEL, Paris.
Photo © Julia Hetta
Croquis de la robe de mariée, CHANEL Haute Couture automne-hiver 2005/06
Courtesy Patrimoine de CHANEL, Paris.
Défilé CHANEL Haute Couture automne-hiver 2005/06
Courtesy Patrimoine de CHANEL, Paris.
Photo: Giovanni Giannoni / WWD / Penske Media via Getty Images
GALERIE 11 : LIGNE ORNEMENTALE vs LIGNE STRUCTURELLE
La ligne ornementale
Karl Lagerfeld était un fin connaisseur. Ses collections étaient aussi éclectiques que ses inspirations et allaient de l’Art Déco à Memphis, Biedermeier à la Wiener Werkstätte. La plus grande affinité du créateur, cependant, était pour les arts du XVIIIe siècle, en particulier le style Louis XV, qu’il considérait comme l’incarnation de l’élégance et de la sobriété. Cet intérêt s’est répandu dans ses créations, évidentes dans les vêtements de la ligne ornementale serpentine, qui ont été inspirés par une gamme variée d’arts décoratifs du XVIIIe siècle, y compris les eaux-fortes de Jean-Baptiste Pillement ; une assiette de Meissen à bordure ajourée ; les fleurs en porcelaine de Vincennes ; un meuble d’angle laqué bleu et blanc et un vase en porcelaine de Chine bleu et blanc de la période Qianlong.
La ligne structurelle
Contrairement aux fioritures rococo de la ligne ornementale, la ligne structurelle révèle une exactitude moderniste exprimée à travers l’approche de Karl Lagerfeld en matière de couture. Présentant une série de costumes et de manteaux de ses collections CHANEL, les vêtements révèlent une différence fondamentale entre le créateur et la fondatrice de la Maison : alors que Gabrielle Chanel s’intéressait principalement aux finitions sur mesure, Karl Lagerfeld se préoccupait davantage de la construction sur mesure. Les créations mettent également en évidence deux des obsessions anatomiques du créateur : les épaules et le muscle dentelé antérieur – le serratus anterior, également connu sous le nom de « muscle du boxeur » ou, comme Karl Lagerfeld l’a appelé, la « chute du foie ».
La ligne ornementale vs la ligne structurelle
Ligne ornementale : Robe CHANEL Haute Couture printemps-été 2019
Courtesy Patrimoine de CHANEL, Paris
Photo © Julia Hetta
Croquis de robe CHANEL Haute Couture printemps-été 2019
Courtesy Patrimoine de CHANEL, Paris
Défilé CHANEL Haute Couture printemps-été 2019
Photo Photo: Victor Boyko / Getty Images
Ligne structurelle : Manteau CHANEL Haute Couture automne-hiver 2017/18
Courtesy Patrimoine de CHANEL, Paris
Photo © Julia Hetta
Croquis du manteau CHANEL Haute Couture automne-hiver 2017/18
Courtesy Patrimoine de CHANEL, Paris
Défilé CHANEL Haute Couture automne-hiver 2017/18
Photo : Peter White / Getty Images
GALERIE 12 : LIGNE FLORALE vs LIGNE GÉOMÉTRIQUE
La ligne florale
La ligne florale se concentre sur l’un des métiers les plus raffinés et les plus rares des métiers de la couture : ceux des paruriers floraux. Pour de nombreux connaisseurs de costumes, les fleurs sont emblématiques du triomphe de l’art de la mode, et pour Karl Lagerfeld, elles ont fourni un moyen de simuler la beauté de la nature, qu’il a exploitée à son plein potentiel en poursuivant une pléthore inépuisable de représentations botaniques.
La ligne florale
En contraste frappant avec la tridimensionnalité organique de la ligne florale, la ligne géométrique comprend des ensembles qui célèbrent l’économie de la ligne et les plans bidimensionnels. Les formes graphiques qui apparaissent sur de nombreuses pièces sont redevables à une gamme de mouvements artistiques modernes, notamment le cubisme, l’orphisme et le constructivisme. Le Pop Art a inspiré la robe “Alphabet” de la collection printemps-été 2004 de la marque éponyme KARL LAGERFELD, qui est peinte à la main avec des lettres et des chiffres rendus en Futura, une police de caractères sans empattement conçue par Paul Renner et publiée en 1927. Sur des formes géométriques simples – cercles, carrés et triangles presque parfaits – qui canalisent la modernité du Bauhaus, la police incarne l’esthétique minimaliste que soulignent ces vêtements.
La ligne géométrique
Ligne florale : Robe de mariée CHANEL Haute Couture automne-hiver 2005/06
Courtesy Patrimoine de CHANEL, Paris
Photo © Julia Hetta
Croquis de la robe de mariée CHANEL Haute Couture automne-hiver 2005/06
Courtesy Patrimoine de CHANEL, Paris
Défilé de la robe de mariée CHANEL Haute Couture automne-hiver 2005/06
Photo: Giovanni Giannoni / WWD / Penske Media via Getty Images
Ligne géométrique : Robe FENDI printemps-été 1997
Courtesy FENDI
Photo © Julia Hetta
Croquis d’une robe FENDI printemps-été 1997
Courtesy FENDI
Défilé d’une robe FENDI printemps-été 1997
Courtesy FENDI
GALERIE 13 : LIGNE FIGURATIVE vs LIGNE ABSTRAITE
La ligne figurative
Karl Lagerfeld était convaincu que la mode était une forme d’expression de soi qui reflétait l’air du temps artistique et culturel. Il était catégorique, cependant, pour affirmer que la mode n’était pas de l’art et que les créateurs de mode n’étaient pas des artistes. Pour Karl Lagerfeld, la mode était irrévocablement une pratique commerciale, comportant un système et une culture radicalement différents de ceux de l’art. Cependant, il s’est souvent tourné vers les beaux-arts à la fois pour l’inspiration et l’information. Comme le démontrent les lignes figuratives et abstraites, le créateur a relié l’art et la mode à la fois par le narratif et le non-narratif et le figuratif et le non représentatif.
La ligne abstraite
Les tendances figuratives de Karl Lagerfeld s’expriment pleinement dans ses créations pour CHLOÉ et FENDI, comme la collection lyrique automne-hiver 2016/17 de haute fourrure pour cette dernière, qui s’inspire des illustrations de Kay Nielsen pour le livre de 1914 East of the Sun and West of the Moon, et pour laquelle il a commandé des illustrations à Kate Baylay et Charlotte Gastaut. Ses créations pour CHLOÉ s’inspiraient souvent de références Art Déco et Art Nouveau, comme dans la robe de sa collection automne-hiver 1967/68 qui présente une image inspirée de l’illustrateur britannique Aubrey Beardsley et peinte à la main par Nicole Lefort. Le travail de l’artiste française apparaît également sur plusieurs des robes de la ligne abstraite, qui étend et développe les influences artistiques vues dans la ligne géométrique de la galerie précédente, avec des références supplémentaires au cubisme et au constructivisme – des mouvements artistiques qui ont fasciné Karl Lagerfeld parce que, comme le créateur lui-même, leurs abstractions étaient ouvertes d’esprit et magnanimes.
Ligne figurative : Robe “Rachmaninoff” CHLOÉ printemps-été 1973
Courtesy CHLOÉ
Photo © Julia Hetta
Croquis de la robe “Rachmaninoff” CHLOÉ printemps-été 1973
Courtesy CHLOÉ
Défilé de la robe “Rachmaninoff” CHLOÉ printemps-été 1973
Courtesy CHLOÉ
Photo © Jean-Luce Huré
Ligne abstraite : Manteau FENDI automne-hiver 2000/01
Courtesy FENDI
Photo © Julia Hetta
Croquis du manteau FENDI automne-hiver 2000/01
Courtesy FENDI
GALERIE 14 : LA LIGNE SATIRIQUE
Karl Lagerfeld s’est inspiré du XVIIIe siècle non seulement pour la Haute Couture et ses collections, mais aussi pour sa propre personnalité, qui était moins calquée sur les archétypes aristocratiques et gentlemen que sur la définition de l’esprit des Lumières, à la fois comme concept abstrait et comme forme de comportement. Dans son Dictionary of the English Language (1755), Samuel Johnson a décrit plusieurs caractéristiques de l’esprit, notamment la nouveauté, l’imagination, le jugement et la connaissance, que Karl Lagerfeld incarnait et reflétait dans ses créations. Ces éléments apparaissent dans toutes les galeries précédentes, mais peut-être pas plus audacieusement que dans la ligne satirique, où ils s’expriment dans des épigrammes visuelles surréalistes rendues dans de somptueuses broderies.
L’une des pratiques surréalistes préférées de Karl Lagerfeld était le trompe-l’œil, avec son élision entre le réel et l’imaginaire, la perception et la tromperie, démontrable dans le sac à main brodé sur la robe CHANEL et la robe fourreau accrochée à un cintre sur la robe CHLOÉ. Une autre technique privilégiée était l’étreinte démocratique du banal, comme en témoignent ses robes ampoule et douche pour CHLOÉ et les robes chandelier pour sa marque KARL LAGERFELD – des appropriations ironiques d’objets vernaculaires qui se délectent dans des déclinaisons humoristiques. À travers des broderies audacieusement inventives et magnifiquement exécutées, Karl Lagerfeld convertit le quotidien en exceptionnel, réconciliant l’ordinaire et l’extraordinaire, le banal et le remarquable.
Ensemble, KARL LAGERFELD automne-hiver 2004/05
Courtesy KARL LAGERFELD
Photo © Julia Hetta
Robe KARL LAGERFELD automne-hiver 1985/86, édition 2023
Courtesy KARL LAGERFELD
Photo © Julia Hetta
LA MARIONNETTE
Après des années d’introspection, l’auto-représentation de Karl Lagerfeld s’est figée dans un uniforme noir et blanc au début des années 2000 qui était aussi identifiable que celui que Gabrielle Chanel s’était façonné au milieu des années 1950. Comme la créatrice, Karl Lagerfeld s’est tourné vers le dandy pour son stylisme personnel, adoptant les principes de rigueur et de retenue établis par George Bryan Brummell, le dandy prototypique de la fin du XVIIIe et du début du XIXe siècle. Dans la mode du dandy classique, l’image méticuleusement construite du créateur et ses mots soigneusement réfléchis ont établi une cohérence visuelle et verbale qui a privilégié le style à la substance. Ce privilège lui a permis d’opérer à un niveau superficiel, en détournant des significations plus profondes ou en approfondissant des analyses. « Avec moi, il n’y a rien sous la surface », aimait-il à dire. En fin de compte, l’uniforme mondialement reconnu de Karl Lagerfeld était un manteau d’invisibilité, lui permettant de se cacher à la vue de tous sur la scène mondiale.
Pour approfondir la supercherie, Karl Lagerfeld s’est délibérément prêté à la caricature. Canalisant Andy Warhol, un autre dandy, Karl Lagerfeld a présenté cette caricature comme une expérience commerciale à travers diverses représentations de son look en noir et blanc, principalement dans des collections pour CHANEL et sa marque éponyme. L’apogée de cette expérience warholienne fut sa collaboration en 2004 avec la chaîne de magasins H&M. La collection capsule de trente pièces pour hommes et femmes se limitait à une palette de couleurs noir et blanc et comprenait des vestes, des chemises et des accessoires – cravates, bagues, lunettes de soleil, mitaines – inspirés par la garde-robe personnelle de Karl Lagerfeld. Le succès retentissant de la collection a simultanément iconisé et magnifié le nom et l’image de Karl Lagerfeld, répondant à son tristement célèbre commentaire : « Je suis une marque vivante. Je m’appelle Labelfeld, pas Karl Lagerfeld. »
La dernière pièce, avec 81 iPhones, en forme de clin d’œil à Karl Lagerfeld
CRÉDITS
L’exposition est organisée par Andrew Bolton avec le soutien de Mellissa Huber, conservatrice associée.
Amanda Harlech est consultante créative pour l’exposition.
L’architecte Tadao Ando (Tadao Ando Architect & Associates) a conçu l’exposition, que le département de design du Met a réalisée dans les galeries Tisch du musée.
Le réalisateur Loïc Prigent a produit un contenu vidéo original présenté tout au long de l’exposition.
Le cinéaste Baillee Walsh a conceptualisé une installation vidéo dans le dernier espace.
Michel Gaubert a créé le design sonore de l’exposition.
Le catalogue de l’exposition Karl Lagerfeld : A Line of Beauty par Andrew Bolton est publié par le Metropolitan Museum of Art et distribué par Yale University Press.
CHANEL
Dix-huit ans après l’exposition « CHANEL » (2005) présentée au Costume Institute du Metropolitan Museum of Art de New York, mettant en lumière l’histoire de la Maison et sa contribution à la définition et à l’affirmation de la femme moderne à travers ses vêtements, CHANEL soutient l’exposition Karl Lagerfeld : A Line of Beauty, entièrement consacrée au travail du couturier Karl Lagerfeld.
Directeur de la Création emblématique de la Maison, de 1983 jusqu’à sa disparition en février 2019, Karl Lagerfeld était un créatif hors du commun qui a réinventé les codes de CHANEL, d’abord imaginés par Gabrielle Chanel, à travers son inspiration et ses collections pour la Maison.
Souhaitant « Faire un meilleur avenir avec les éléments élargis du passé », selon l’expression de Goethe qu’il aimait à citer, Karl Lagerfeld a élargi le spectre du vocabulaire stylistique de CHANEL, croisant les éléments identitaires de la Maison avec son propre univers esthétique. Puisant dans son vaste éventail de références culturelles, ses créations s’inspirant notamment de deux de ses époques de prédilection, le modernisme et le XVIIIe siècle.
Les silhouettes et accessoires somptueusement raffinés de ses collections n’ont cessé d’exalter le savoir-faire exceptionnel des ateliers et des Maisons d’Art de CHANEL, qu’il a nourri d’une inspiration continue. Le don inégalé de Karl Lagerfeld s’exprime parfaitement dans sa dernière collection CHANEL Métiers d’Art, intitulée Paris-New York, présentée en décembre 2018 au Temple de Dendur du Metropolitan Museum of Art.
Vêtements, accessoires, décors et scénographies de défilés, photos publicitaires et éditoriales, films, livres : premier directeur artistique d’une marque de luxe à penser le design de mode sous toutes ses facettes et dans sa globalité, Karl Lagerfeld a forgé son propre mythe. Il s’est placé aux côtés de Gabrielle Chanel en tant que second fondateur de la mode de CHANEL, laissant un héritage fort et cohérent aujourd’hui réinterprété par Virginie Viard, qui a passé plus de trente ans à ses côtés.
CHANEL soutient cette exposition qui met en lumière l’œuvre d’un créateur de génie qui a marqué l’histoire de la mode et changé à jamais le destin de la Maison.
Mention obligatoire : © espritdegabrielle.com
Crédits photos : © The Metropolitan Museum of Art
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